 PARTE II Stanislavski, Grotowski y la habitabilidad del actor Si Diderot defendía el control, el siglo XX reabre la herida. Dos nombres son inevitables: Konstantín Stanislavski Jerzy Grotowski Ambos buscaron responder la misma pregunta desde lugares distintos: ¿Cómo lograr verdad escénica sin perder forma? Stanislavski: la acción como motor Stanislavski comprendió algo fundamental: el actor no debe buscar la emoción, sino la acción. En obras como Un actor se prepara, plantea que el sentimiento surge cuando el actor se compromete orgánicamente con:
Aparece como consecuencia. Aquí nace la idea moderna de “estar habitado” sin perder estructura. Grotowski: el actor como vía negativa Décadas después, Grotowski radicaliza la búsqueda. En Hacia un teatro pobre, propone un actor que no acumula técnicas externas, sino que elimina resistencias. La actuación no consiste en añadir, sino en quitar. Quitar defensas. Quitar máscaras sociales. Quitar bloqueos. Para Grotowski, el actor no interpreta un personaje: se expone a una transformación real. Pero —y esto es clave— esa transformación está rigurosamente entrenada. No es caos. Es disciplina extrema al servicio del riesgo. Habitabilidad: una síntesis contemporánea Si cruzamos a Diderot, Stanislavski y Grotowski, aparece una posible síntesis:
Es capacidad de ser atravesado sin romper la estructura. Es repetibilidad con presencia. Es precisión con riesgo. Es dominio sin rigidez. La pregunta que seguimos investigando en Tablas Teatro En nuestra práctica pedagógica y escénica seguimos explorando esto: ¿Cómo entrenar actores que no solo ejecuten acciones, sino que se dejen afectar por ellas? Porque cuando la acción habita el cuerpo del actor, la escena deja de explicarse. Y empieza a suceder.
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 Pasamos el día entero frente a pantallas. Hoy, la Inteligencia Artificial te redacta un ensayo, te diseña un logo y te arma un guion en cuestión de segundos. Todo es rápido, eficiente y 100% digital. Frente a esto, es súper normal que en clases surja la pregunta: ¿Para qué hacer teatro hoy? ¿Tiene sentido subirnos a un escenario cuando un algoritmo parece poder hacerlo todo? La respuesta corta es: sí, hoy tiene más sentido que nunca. Y no desde una visión romántica del artista sufrido, sino desde algo mucho más concreto y biológico: el teatro es pura materia viviente. Sudor contra Algoritmos, En Tablas Teatro siempre insistimos en una regla base: el actor se deja afectar por la acción. No trabajamos con ideas abstractas en la cabeza, trabajamos con el cuerpo en el espacio. ChatGPT, puede procesar millones de datos y simular emociones en un texto, pero no tiene cuerpo. No transpira, no se queda sin aire en medio de una escena, no siente la gravedad ni el cansancio. La verdadera creación (la poíesis) pasa cuando tu cuerpo acciona. El teatro te obliga a salir de la nube virtual y volver a lo tangible. Exige disciplina, ensayo y error físico. El "Convivio": Apagar el celular y estar presente. El teórico argentino Jorge Dubatti usa una palabra clave para entender esto: el convivio. Básicamente, es el acto de juntarnos en cuerpo y alma en un mismo lugar. Hoy vivimos inmersos en el tecnovivio (conectados a través de pantallas, lo cual es genial para escalar negocios o comunicarnos), pero el teatro es el terreno de la carne. Lograr que un grupo de personas apague el celular durante una hora, se siente en una sala y comparta el mismo aire y silencio para verte accionar en escena, es hoy un acto de rebeldía total. Necesitamos ese encuentro directo, sin wifi de por medio, para recordar que somos humanos frente a humanos. "Carne y saliva" en el mundo del Copy-Paste. El maestro Mauricio Kartun dice algo brutal: el teatro es un oficio hecho de "carne y saliva". Es puramente artesanal. En un mundo donde todo se puede copiar, pegar y viralizar con un clic, la experiencia teatral no se puede clonar. Lo que pasa hoy en la función, no va a pasar igual mañana. Ahí está tu mayor propuesta de valor como actor joven: lo que haces es irrepetible. No somos automatizables. La disciplina como base de la libertad. Pero ojo, que sea un arte "humano" y vivo no significa que sea un espacio para el vale todo o la improvisación floja. Todo lo contrario. La disciplina y la creación no se oponen. Para que el público de verdad conecte y se transforme con lo que haces, necesitas una estructura sólida y un rigor metodológico duro. El talento sin entrenamiento no sirve de nada. Frente a la inmediatez de las redes, el teatro te exige tiempo, repetición y enfoque. La tecnología avanza y nos da herramientas increíbles, no hay que pelearse con ella. Pero el teatro es tu asidero, el lugar que te recuerda que, al final del día, detrás de cada pantalla hay un cuerpo vivo que necesita mirar a otro a los ojos. Curated by: GT ¿Debe el actor sentir en escena? Diderot, la Paradoja del Comediante y el origen ritual del teatro2/17/2026 Primera parte  ¿Debe el actor sentir en escena?
En la historia del teatro hay una pregunta que sigue dividiendo escuelas, métodos y generaciones de actores: ¿Debe el actor sentir realmente lo que representa? En el siglo XVIII, Denis Diderot planteó una de las reflexiones más provocadoras sobre la actuación en su ensayo Paradoja del comediante. Su postura fue clara: el gran actor no es el que siente, sino el que controla. La Paradoja del Comediante: técnica vs emoción Para Diderot, si el actor sintiera verdaderamente dolor, ira o pasión en cada función, su actuación sería inestable e irrepetible. El arte, según él, exige:
Este pensamiento marca el inicio de una concepción moderna del actor como artesano consciente, no como médium emocional. Pero aquí nace una tensión fundamental. La alienación del actor moderno Cuando el actor actúa desde el puro control, algo puede perderse.
alienación actoral. El actor se convierte en operador de signos, no en territorio de acontecimiento. El origen ritual del teatro: el actor como espacio de transformación Si regresamos al origen del teatro —el rito, el círculo, la máscara— encontramos otra lógica. El chamán no representa:
Ser habitado no significa perder técnica. Significa que la técnica prepara el cuerpo para que algo ocurra. Técnica o transformación: ¿una falsa oposición? Tal vez la pregunta no sea: ¿Debe el actor sentir? Sino: ¿Estamos formando actores que controlan la escena o actores que permiten que la escena los habite? En Tablas Teatro creemos que la técnica no debe enfriar la experiencia, sino sostenerla. Porque cuando la acción realmente atraviesa al actor, el teatro deja de ser representación. Y vuelve a ser acontecimiento.  Por Marcel Douglas Hay momentos en la vida docente en los que uno entiende que no se trata de repetir una metodología, sino de transformarla. Este nuevo proceso en el Diplomado del CENAR no nace de una moda pedagógica, sino de una necesidad profunda: formar actores y actrices conscientes, creadores y no solamente intérpretes. Desde el primer encuentro algo fue evidente: el entusiasmo de los estudiantes era real, contagioso y profundamente comprometido. Llegaron con preguntas, con hambre de escena, con disposición al trabajo físico y a la reflexión crítica. Ese nivel de energía inicial marcó el tono del proceso. Durante años he trabajado desde la escena, desde la práctica viva con Grupo Tablas, y esa experiencia hoy se convierte en el eje de mi docencia. No llego al aula únicamente como profesor, sino como alguien que ejerce, que investiga en escena y que entiende que el teatro no es teoría acumulada, sino experiencia encarnada. Talento y compromiso: una generación con potencia Me ha sorprendido gratamente el nivel de compromiso del grupo. No hablamos solamente de asistencia o puntualidad —que la hay—, sino de entrega. Los estudiantes asumen los ejercicios con rigor, se permiten el riesgo y sostienen procesos de exploración con madurez. El talento también es evidente. Hay intuición escénica, escucha, capacidad corporal y, sobre todo, una sensibilidad que puede convertirse en lenguaje propio si se trabaja con disciplina. Eso es lo que estamos construyendo: técnica con conciencia. Un espacio digno para la creación Las instalaciones remodeladas del CENAR han sido un factor clave en esta nueva etapa. Encontramos un espacio limpio, amplio, funcional y profundamente agradable para el trabajo artístico. Trabajar en un lugar digno transforma la experiencia pedagógica. La luz, el orden, la amplitud del espacio y las condiciones adecuadas para el entrenamiento físico generan respeto por el oficio. El entorno acompaña el proceso creativo y eleva el nivel de concentración. Del alumno ejecutante al creador escénico El cambio fundamental de este proceso es claro: el estudiante no viene a “aprender a hacer”, viene a descubrir cómo crear. Ya no partimos de la imitación de modelos externos. Partimos del cuerpo, del espacio y de la acción real. Trabajo con ellos desde tres pilares:
Evaluar procesos, no solo resultados La evaluación se concibe como seguimiento consciente del proceso. Observamos, analizamos y retroalimentamos constantemente. El estudiante entiende qué está construyendo y por qué. Una pedagogía del riesgo y la verdad Este nuevo proceso exige compromiso, disciplina y apertura. Pero también está generando algo poderoso: una comunidad de aprendizaje con identidad, entusiasmo y visión. Hoy puedo decir con certeza que esta cohorte del Diplomado del CENAR no solo tiene talento; tiene carácter. Y cuando el talento se encuentra con el compromiso, el resultado siempre es escena viva. Para mí, como docente y creador, este proceso representa una etapa de madurez y esperanza. El teatro salvadoreño necesita espacios formativos sólidos, y el CENAR hoy se posiciona como un lugar digno, renovado y lleno de futuro.  |
AutorMarcel Douglas es actor, director y formador teatral con una trayectoria dedicada a la investigación escénica y la pedagogía del actor. Como director de Grupo Tablas, ha impulsado procesos creativos que integran tradición, pensamiento crítico y exploración contemporánea del lenguaje teatral. Su trabajo se centra en el entrenamiento actoral como camino de transformación: el escenario no solo como espacio de representación, sino como territorio de conciencia, disciplina y creación colectiva. En el aula y en la escena, Marcel apuesta por un teatro vivo, donde el actor no “hace como si”, sino que se deja atravesar por la acción, construyendo verdad desde el oficio y la experiencia. |
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